早在上世紀40年代，世界著名的舞臺美術家、戲劇大師捷克的斯沃博達先生就預言：“今后舞臺美術的發展，將是一個全新的光影時代。”隨著科學技術突飛猛進、日新月異的發展，特別是電子與光學技術得到廣泛而實效的運用，舞臺燈光早已從早期的照明、模擬自然而走向了藝術的造型、氛圍的渲染、意境的營造、戲劇情節的發展鋪墊、空間的構圖及戲劇人物心理情感的表達、外現。燈光與舞臺藝術的其他部門，尤其是音樂，共同為演出、觀眾創造視覺、聽覺藝術的想象與享受。

　　英國著名戲劇家、導演戈登克雷說：“燈光是舞臺上的畫筆，燈光是舞臺上的靈魂。”此言充分強調了燈光在舞臺上的重要性。因為一個演出的最后完成、體現，特別是各個部門在舞臺上的最后合成，最后一道工序是靠燈光來完成的。美術、服裝、道具、化妝、音響，甚至演員的表演、調度，都需要燈光來做最后的刷色、涂抹，需要用光來引導觀眾的視線，該看什么，隱去什么，凸顯什么，淡化什么，需要燈光將所有舞臺藝術部門進行有機、有序的藝術融合，使其形成合力，為演出推波助瀾。

　　燈光在舞臺藝術中，首先需要擺正自己的位置。燈光與其他部門一樣，隸屬于舞臺藝術的二度創作的組成部分，也就是說燈光不是舞臺藝術的主體，它需要依附于主體藝術，離開主體藝術的存在就沒有生命力。因此，燈光所承載的任務是受到制約的，只有與二度創作的中心――導演共同通過對演出(劇本)仔細、深刻的研究、探討，形成共同而統一的理念與風格，確定符合演出的形式，將燈光的風格、表現，有機、有序地融入整個創作，恰當、巧妙地貫穿于演出整體中，燈光才具有鮮活、生動的生命力，才具有真正的藝術價值。

　　燈光在演出創作中，要張揚自己的個性、理念。設計沒有自己的個性、理念，甚至是一張圖紙滿天飛，依舊是沒有生命力的。如果說劇本是“源”，二度創作是“渠”，就要使水流得順暢且流法多樣，使“源”與所有的“渠”融為一體，匯成一股合力，流入觀眾的心靈。同時你建立的“渠”，無論形式、方法、手段，必須凸顯自己的個性，必須有創新性，同時富有國際視野。

　　燈光在演出創作中，要準確地把握住“度”的概念。這與設計者所受教育程度、文化底蘊、藝術修養及實戰經驗有關，如果他對演出作品的理解透徹，功力老到，與導演及各個部門又溝通及時，把握的尺度自然準確、到位，表現手法、技術手段、色彩構圖、節奏控制等都與此密切相關。

　　同時，作為設計者在創作中還要避免的是：(1)不能過分依賴所謂的高科技技術與設備，一味追求燈光的絢麗多彩、變化，沒有將燈光特有的藝術語言、表現形式有機地融合在演出之中，導致喧賓奪主，形式大于內容，甚至干擾主體藝術、干擾表演，成為舞臺上的光污染。(2)觀念陳舊，墨守成規，在科技發展的今天，依舊抱著陳舊的創作理念，甚至滿足于停留在演出照明的功能上。(3)創作上處于被動，不能從專業的角度去理解、闡述演出(劇本)，為整體舞臺創作提供建議，盲目服從，甚至連所有的燈光色彩、變化都等導演指令。

　　如果說文學是研究如何運用語言和概念去激發人們的反應，建筑是探索如何在空間安排材料使其富有種種的表現力，音樂是研究如何利用音響再度創造人們的情緒起伏，布景是探索運用色彩和線條體現演出的內在精神，那么，燈光就是運用色彩之旋律、變化之節奏、光影之魅力，在實實在在的舞臺空間中，為演出做著無聲交響樂的伴奏。